Прическа к русскому народному танцу

Mint Dance — танцевальная студия

НАРОДНЫЕ ТАНЦЫ (5+)

НАБОР В ГРУППУ!

Преподаватель: КИРЕЕВА АЛИНА

Начиная заниматься народными танцами, ваш ребёнок сможет в полном объёме ознакомиться с культурой нашей необъятной Родины! От Юга до Севера! С Востока на Запад! Занятия этим направлением даст возможность детям узнать как живут и как двигаются в других городах России! Вся культура страны в нашей студии. Помимо занятий, педагог проинформирует ребёнка о том, в каком городе и в каких костюмах этот танец существует. Ваше дитя сможет не только хорошо двигаться, но и обогатить знания о Российской культуре. Так же наша студия даёт возможность участвовать в детских и юношеских фестивалях по танцам. Мы не просто учим и развиваем, но и даём шанс показать себя на большой сцене.

Ниже немного истории народных танцев!

Характерные особенности общеславянской культуры начали формироваться в далёком прошлом, это касается песен, танцев, одежды и даже причёски. Первые танцы возникли как проявление эмоциональных впечатлений от окружающего мира. Танцевальные движения развивались также и вследствие имитации движений животных, птиц, а позднее — жестов, отражавшие определённые трудовые процессы (например, некоторые хороводы). Первоначальный танец, как и песня, выполнял магическую роль, поэтому среди календарно-обрядовых танцев сохранилось больше всего архаичных черт.

Популярный русский танец — хоровод — танцев по кругу. Круг в хороводе символизировал в древности Солнце – бога Ярила. Считалось, что такие движения по кругу с пением песен задобрят бога Солнца и принесут хорошие урожаи. Сегодня это лишь исторический факт религии язычества древних славян, который не несёт уже своей смысловой нагрузки в исполнении хороводных (круговых) танцев.

Русская пляска — вид русского народного танца. К Русским пляскам относятся импровизированные пляски (перепляс, барыня и др.) и танцы, имеющие определённую последовательность фигур (кадриль, ланце и др.). В каждом районе эти пляски видоизменяются по характеру и манере исполнения и имеют обычно своё название, происходящее от названия местности или плясовой песни. Русские пляски есть медленные и быстрые, с постепенным ускорением темпа.

Большой популярностью в народе пользовались пляски-импровизации, пляски-соревнования. В них танцоры не были скованы определенной композицией. Каждому исполнителю дается возможность выразить себя, показать, на что он способен. Такие пляски всегда неожиданны для зрителей, а порой и для самих исполнителей. Пляскам-импровизациям парни и девушки «учатся» с малых лет. Танцору не хочется повторяться, делать то же, что делают другие — отсюда большое разнообразие самобытных русских переплясов.

Особое место принадлежит танцам, в которых проявляется наблюдательность народа: либо о явлениях природы («метелица», «пурга»), либо о каких-либо животных или птицах («Бычок», «Дергач», «Медведь). Эти танцы можно назвать игровыми или танцами-играми, поскольку в них очень ярко выражено игровое начало. В своих движениях танцующий не просто подражает повадкам зверей или птиц, а старается придать им черты человеческого характера. Очень важно, чтобы созданию образа танца были подчинены все компоненты: движения и рисунки, то есть хореографическая образная пластика, музыка, костюм, цвет. При этом выразительные средства танца существуют не сами по себе, а как образное выражение мысли. Завершенность всего этого достигается синтезом всех составных.

Со всей культурой народных танцев, в частности русских, с вами будет плясать наша «передовичка» Алёна:)

Ансамбль народного танца «Кедраши»

Хореографический ансамбль «Кедраши» был создан в 2007 году. Руководит коллективом заслуженный работник культуры РФ Надежда Владимировна Ведмицкая.

В настоящее время в коллективе занимается 30 человек. Это юноши и девушки от 17 и до 25 лет, в основном – это выпускники образцово-показательного ансамбля «Кедровые орешки».

Сейчас это в основном студенты высших учебных заведений, увлеченные, трудолюбивые, очень дружные и красивые! Им удается совмещать напряженный график учебы и многочисленные занятия танцами с присущим молодым людям задором, самоотдачей и артистизмом.

«Краснощекие, улыбчивые «Кедраши» — редкий вид на конкурсе. Это один из немногих ансамблей, выбравших народную направленность своей творческой деятельности. В родном городе они звезды первой величины среди юношеских танцевальных коллективов, а в Москве, на конкурсе — первый раз и сразу победа. Молодцы, сибиряки!» — так писал журналист газеты «Вечерняя Москва» после триумфального выступления молодых артистов на Международном конкурсе «Роза ветров. Ветер перемен» (г. Москва)

Коллектив создает на сцене праздник, заставляет восхищаться удалью, широтой сибирского характера, мощной энергетикой талантливых танцоров.

В программе ансамбля самобытные, яркие, подлинно народные массовые танцы в современной обработке на фольклорной основе.

За оригинальную постановку и артистизм ансамбль народного танца «Кедраши» стал обладателем Диплома Лауреата 1 премии Всероссийского конкурса-лаборатории детского и юношеского творчества «Роза Ветров в Красноярске» и подтвердив еще раз, что у коллектива есть мощный творческий потенциал, огромное желание еще дальше познавать танцевальное искусство, воплощая его в разноцветное полотно музыки, красок, молодости, красоты, сибирского колорита.

Особенности народного танца на Урале

Наверное, даже непрофессионал сможет назвать основные элементы русского народного танца: «верёвочка», «моталочка», «ковырялочка»… Артисты ансамбля танца «Веселинка» пошли дальше: они запросто расскажут, чем отличается от русского народного народный танец Урала. Не только расскажут, но и покажут: во время исполнения «Уральской плясовой», например.

Не все знают, что в каждой области нашей страны есть свои особенности исполнения движений. Возьмём, в частности, обычные дроби. На Урале артист в ходе исполнения дробей стучит ногами не только об пол, но и друг о друга — пяточками. То есть уральцы несколько усложнили этот элемент…

«Вечёрка» продолжает путешествовать по Дому детского творчества ЛЕНИНСКОГО РАЙОНА, которому нынче исполняется 60 лет (предыдущие выпуски проекта — в номерах «ВЕ» за 27 июня, 4, 12, 24 июля). Сегодня мы узнаем о пользе для детского развития народного танца.

«Расправь плечи, вытяни шею, подними голову…» Нет, это не банальная зарядка, это — секрет превращения неуклюжего малыша в успешную, творческую личность. Именно такими становятся в ансамбле народного танца «Веселинка».

Инга ЮРЛОВА, Андрей ДРОКИН и Татьяна ИЛЬИНА вместе со своими подопечными. Фото: архив.

Руководитель коллектива Инга ЮРЛОВА помнит, какими к ней пришли многие из нынешних «звёздочек»: неловкие, угловатые, неулыбчивые. Сегодня это маленькие «лидеры», умеющие красиво двигаться, уверенно держать голову и удивлять зрителей своим талантом.

Всё хорошее — от народа

Танцы развивают гибкость и пластику, учат слушать музыку и двигаться ей в такт, помогают раскрыться — и для себя, и для мира. Всё это актуально для любых видов танца, но народный — нечто совершенно особенное.

— Народная хореография всегда была тесно связана с жизнью, развитием общества, — рассказывает Инга Владимировна. — Менялись эпохи, видоизменялся танец. Он стал более динамичен, усложнились движения, но национальный колорит народного танца остаётся неизменен. Через танец в детях воспитывается любовь и интерес к народной культуре, прививается чувство гордости за свою страну.

Ценность народного танца заключается, по мнению руководителя ансамбля, ещё и в том, что он воздействует на чувства, поскольку сам является стихийным проявлением чувств, настроений, эмоций. Танцуя, ребёнок получает от этого удовольствие и эмоциональный заряд.

Великолепное трио

Ансамбль был основан в 1986 году артисткой Уральского народного хора Верой ЖУКОВОЙ. Нет-нет, мы не ошиблись, именно хора, в котором, как известно, есть не только хоровая, но и балетная группы. Вера Жукова и определила основное направление ансамбля — народный танец.

Почти 10 лет назад ансамбль «подхватила» Инга Юрлова, выпускница Свердловского культпросветучилища. Именно она объединила в одном коллективе замечательных педагогов: Татьяну ИЛЬИНУ и Андрея ДРОКИНА.

Андрей Анатольевич — непререкаемый авторитет у мужской части коллектива. Для мальчишек он — главный пример и учитель. Кто, если не мужчина, лучше всего объяснит, как обращаться с партнёршей?! Он же учит ребят чисто мужским танцевальным элементам: присядке, хлопушкам, всевозможным трюками и прыжкам.

Впрочем, не обделяет вниманием и девочек. Например, поставленный Андреем Дрокиным танец «Топотуха» исполняется только представительницами прекрасной половины ансамбля.

Балерина Уральского народного хора Татьяна Ильина — вторая «мама» для самых маленьких артистов ансамбля. Им она преподаёт азы народного танца и классики.

Сегодня в составе ансамбля — 150 детей. В репертуаре — 21 номер. И с каждым годом он обновляется.

— Ансамбль «Веселинка» является украшением любого мероприятия Дома детского творчества, — отмечает руководитель учреждения Елена ДЕРЯГИНА. — Более того, юных артистов можно часто видеть на главных городских площадках: в детской филармонии, ТЮЗе, Центре культуры «Урал»… Без них не обходится ни один День города. Всё это, а также звание «образцовый» — является очень высокой оценкой для любого коллектива.

В контакте со зрителем

Самым маленьким артистам ансамбля — 5 лет. Но уже в этом возрасте они начинают выступать на сцене. Нескладно, не очень синхронно, с ошибками — пусть! Доказано: ни что так не умиляет публику, как детские номера. Зрители расслабляются, а «взрослые» артисты, получив передышку, могут подготовиться к следующему номеру.

Да и самим малышам это только на пользу. Педагоги ансамбля убеждены, что артистами становятся не в балетном классе, а непосредственно на сцене — в контакте со зрителем. От этого получаешь ни с чем не сравнимое удовольствие, которое хочется испытать ещё и ещё. Почувствовав вкус сцены всего только один раз, ребёнок уже поймёт, для чего изо дня в день повторяет на занятиях разные упражнения. А поняв, будет стараться вдвойне.

Путешествия: виртуальные и реальные

Русский народный танец хоть и главный предмет изучения и воплощения юными артистами ансамбля, но далеко не единственный. Народов, населяющих нашу планету, — великое множество. И у каждого — своя история, своя культура, а значит, и свой танец.

— Воспитанники ансамбля на всём протяжении своего обучения словно совершают путешествие по разным странам, — поясняет директор Дома детского творчества Ленинского района Елена Дерягина. — Сегодня они изучают русскую народную культуру, завтра — украинскую. Потом еврейскую, мексиканскую, корякскую…

Причём далеко не всегда путешествие носит виртуальный характер. Таланту юных танцоров рукоплескали интернациональные зрители нескольких международных фестивалей, которые проходили в Хорватии, Чехии, Польше. Теперь коллектив готовится к поездке в Италию.

Веер как символ дружбы

Оказаться в новой стране, воочию увидеть величайшие символы архитектуры, пообщаться с представителями других народов — это праздник для любого человека, а уж для юного — с его впечатлительностью и восприимчивостью — тем более.

К тому же замечено, что артисты после таких поездок становятся более самостоятельными, мобильными и организованными. Иногда им приходится переодеваться для другого номера в течение пары минут — во время речи ведущего. Потом, уже в Екатеринбурге, эти ребята во время концерта успевают и сами подготовиться к следующему номеру, и помочь менее собранным товарищам.

Участие в международных фестивалях — прекрасная возможность показать себя и поучиться полезному у других. Однажды во время одного из фестивалей екатеринбуржцы подружились с артистами мексиканского коллектива. На Родину они вернулись с роскошными веерами, подаренными новыми друзьями. «Пришлось» создавать под эти веера свой мексиканский танец. Так в репертуаре ансамбля стало ещё одним ярким номером больше.

Одна семья, одна команда

Успешность коллектива — заслуга не только артистов и педагогов, но и других неравнодушных, интересных и творческих людей. Например, мастериц-рукодельниц, из-под рук которых выходят удивительной красоты костюмы…

Очень многое зависит от директора Дома детского творчества Елены Дерягиной.

— Елена Евгеньевна всячески поддерживает наш коллектив. Болеет за него. Радуется нашим победам, — говорит Инга Юрлова. — По возможности присутствует на всех наших концертах. И, конечно, создаёт условия для развития коллектива.

А сколько всего лежит на родителях юных артистов!

— Это самые главные помощники педагогов, — отмечает директор ДДТ. — При каждой возрастной группе (а их в ансамбле 6) действует свой родительский комитет — как в садике или школе. Родители отвечают за подготовку и перевозку костюмов, создание сценической причёски и макияжа и многое-многое другое…

Наверное, они тоже понимают, что их деток учат не просто танцевать…

На заметку

Если вы придёте в ансамбль танца «Веселинка», то…

…научитесь красиво и синхронно двигаться;

…разучите танцы разных народов;

…узнаете народные обычаи, историю народного костюма;

…выработаете правильную осанку;

…разовьёте гибкость и пластичность, чувство ритма и координацию движений;

…раскрепоститесь, освободитесь от скованности и излишней стеснительности;

…получите массу положительных эмоций.

Кстати

Коллектив «Веселинка» ДДТ Ленинского района — неоднократный лауреат районного фестиваля творчества «Открой себя миру», лауреат фестиваля «Город друзей», неоднократный лауреат межрегионального фестиваля «Танцуем вместе», лауреат областных, всероссийских и международных фестивалей, таких как: международный фестиваль «Завалинка» (Хорватия), международный фестиваль детей и молодёжи «Пражская весна» (Чехия), международный фольклорный фестиваль Liptalske slavnosti (Чехия) и т. д.

К слову

Директор Дома детского творчества Ленинского района Елена Дерягина напомнила, что запись в творческие объединения ДДТ на 2013/2014 учебный год будет проходить с 26 августа.

История народного танца

Характеристика истории зарождения танцевального искусства в античном мире. Исполнение священных плясок под звуки лиры в Древней Греции. Основные виды в греческом театре. Сущность восточного и западного танцев, их формирование и главные различия.

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru/

ГОСУДАРСТВЕННОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

«ХАКАССКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ ИМ. Н.Ф. КАТАНОВА»

КАФЕДРА НАРОДНОГО ХУДОЖЕСТВЕННОГО ТВОРЧЕСТВА

История народного танца

Ишбулдина Гульнара Гизаровна

к.филол.н., ст. преп. кафедры НХТ

Янковская Ольга Викторовна

Глава I. Зарождение танцевального искусства

1.1 Танец в Античном мире

1.2 Восточные танцы

1.3 Западные танцы

Глава II. История народного танца

2.1 Зарождение танца его основные понятия и функции

2.2 Народный танец в Средние века и эпоху Возрождения

2.3 Танец XIX — XX вв.

танец искусство античный восточный

Актуальность исследования бесспорна, так как танец является способом выражения эмоций человека, попыткой человеческих существ найти гармонию с природой и между собой. Танец выполняет важные психологические задачи и является неотъемлемой частью повседневного быта людей [13, с. 35].

Залогом социально-экономической и политической стабильности не в последнюю очередь является сохранение и совершенствование народной культуры.

Эта проблема разработана достаточно полно в трудах вышеуказанных авторов, но в то же время в их трудах сущность цели и задач обучения народному танцу как фактора сохранения и развития традиций национальной хореографической культуры часто интерпретируется столь многозначно и противоречиво. Выбор средств обучения народного танца часто является задачей крайне сложной, а признание какой-либо методики единственно правильной — достаточно проблемной [35, с. 35].

Объект исследования: народный танец.

Предмет исследования: история народного танца

Цель работы: изучение истории народного танца.

Изучить особенности танца в античном мире

Дать общую характеристику восточных танцев.

Дать общую характеристику западных танцев.

Показать, как проходило зарождение танца, и рассмотреть его основные понятия и функции

Рассмотреть развитие танца в средние века.

Выявить особенности танца XIX — XX вв.

В своей работе мы использовали работы российских и зарубежных авторов по истории танца таких как: Барышниковой Т. — написано замечательное методическое пособие для педагогов хореографических коллективов и т.п., Ваганова А. Я. — написала учебное пособие для учебных заведений, Гачев Г. Д. — написал лекционный курс по национальным образам мира, Ашрафи М. — занимался изучение восточного танца.

Работа состоит из введения, двух глав, заключения и библиографического списка.

Глава I. Зарождение танцевального искусства

1.1 Танец в античном мире

Ни в одну историческую эпоху, ни в одной стране мира никто так не превозносил танец, как древние греки, которые видели в нем «единство душевной и телесной красоты» и считали танец прекрасным даром богов. Да и древнегреческие божества сами с удовольствием предавались пляскам. Считалось, что сам Аполлон, бог Искусства, написал первые правила искусства танца. Древние греки так трепетно относились к танцу, что сделали музу Терпсихору «ответственной» за искусство пляски и стали ее изображать в виде танцующей девушки в легкой тунике с оливой в руках. Гомер утверждал, что в мире есть три самых невинных наслаждения — это сон, любовь и пляска [19, с. 500]. Платон: «Пляски развивают силу, гибкость и красоту» [19, с. 501]. Пляски были обязательным учебным предметом в гимназиях, а свободный гражданин, не умевший танцевать, подвергался насмешкам и осуждению. Позы и движения в танце должны быть красивы и гармоничны, кроме того, пляска должна понятно выражать настроение, мысли и чувства.

Священные пляски исполнялись под звуки лиры, отличались строгой красотой. Праздники и танцы посвящались разным богам: Дионису, богине Афродите, Афине. Они отражали определённые дни трудового календарного года. Неудержимым буйным весельем отличались пляски в честь греческого бога плодородия и виноделия Диониса. Дионисии отмечали весной, когда оживала природа.

Об искусстве древнегреческой пляски впервые в истории танца был написан трактат — исследование об этом виде творчества. Автор трактата — Лукиан — размышлял о роли и значении танца в жизни человека, говорил о требованиях, которые предъявляются к человеку, решившему посвятить себя искусству пляски. «Искусство пляски требует подъема на высочайшие ступени всех наук: ни одной только музыки, но и ритмики, геометрии и особенно философии, как естественной, так и нравственной. Танцору необходимо знать все!» [19, с. 500].

Большую роль в воспитании мужества, патриотизма, чувства долга у юношества в Древней Греции играли военные пляски. Обычно их исполняли двое, но существовали такие массовые пиррихи, в которых танцевали одни юноши, а иногда вместе с ними плясали и партнёрши. Эти пляски воспроизводили бой, различные боевые построения. Это были сложные хореографические композиции. В руках у танцующих были луки, стрелы, щиты, мечи, копья, дротики, зажжённые факелы.

Сценические танцы были частью театральных представлений. Каждому жанру соответствовали свои танцы. Во время танцев исполнители отбивали такт ногами. Для этого они надевали особые деревянные или железные сандалии, иногда отбивали такт руками с помощью надетых на средние пальцы своеобразных кастаньет — устричных раковин.

Для каждого жанра греческого театра существовали свои пляски. В трагедиях хор исполнял эммелею — танец, состоящий из патетичных, величественных, благородных движений. Этот танец передавал чувства богов и героев. В комедиях чаще всего танцевали кордак, пляску сатиров (сатиры — фантастические существа с козлиными ногами и рожками). Это была быстрая пляска, темпераментная, изобилующая головокружительными, прямо — таки цирковыми прыжками, кувырканьями и раскованными позами. Движения исполнялись в бурном темпе и состояли из присядок, вращений, прыжков, во время которых пятками надо было бить себя по ягодицам. Его исполняли только профессиональные, специально обученные танцовщики.

Об отношении к танцу в Древней Греции говорит тот факт, что муза танца и хорового пения Терпсихора была включена в пантеон божеств. Греки понимали танец очень широко, рассматривая его и как гимнастику, средство оздоровления тела, и как мимическое искусство. К танцам относили шествие драматурга Софокла во главе процессии обнаженных юношей по Афинам после победы при Саламине, жонглирование и акробатику, военную муштру, погребальные и свадебные процессии и размеренные, строго одновременные жесты и движения хора в трагедии.

Потребность в танце обусловлена самой природой человека, его внутренними ритмами, но греки стремились также к идеальной красоте, которая достигалась путем стилизации. Примером может служить военный танец (пирриха), описанный у Гомера и известный по сохранившимся рельефам и вазовой живописи. Другой пример, тоже из Гомера — погребальный танец, цель которого всплеском физической активности танцующих вдохнуть новую жизнь в мертвое тело. Этот танец пришел с острова Крит, для него характерны резкие движения рук и ритмические удары мечей о щиты для отпугивания злых духов.

Поскольку греки верили, что танец подарен людям богами, они проявляли большой интерес к эзотерическим культам, в которых существенную роль играл танец. Кроме оргиастических танцев, связанных с определенными ритуалами, древние греки любили торжественные процессии, особенно пеаны, которые являли собой род ритмически организованного шествия в честь того или иного божества с пением торжественных гимнов. Большим празднеством были Фесмофории — в честь богини земледелия Деметры и ее дочери Персефоны. Важную роль играли танцы в орфических и элевсинских мистериях.

Оргиастические танцы в честь бога плодородия Диониса постепенно сложились в определенную церемонию — дионисии. Для них специально обучались танцовщицы, изображавшие менад, и танцоры, изображавшие сатиров; в соответствии с мифом это была свита Диониса. Общий танец — дифирамб, исполнявшийся в дионисийских празднествах, стал источником древнегреческой трагедии.

У танца, развивавшегося в рамках древнегреческой трагедии, наблюдается несколько периодов, соответствующих разным этапам развития самой драматургии. Для Эсхила танец — средство усиления напряженности драматического действия. Софокл трактует танец как выражение эмоциональной реакции на разворачивающиеся события. У Еврипида хор пантомимой изображает чувства, соответствующие сюжету. Танец в составе трагедии (эммелия) был достаточно медленным и величественным, а жесты в нем (хирономия) — широкими, крупными, легко воспринимавшимися публикой на больших аренах, где ставились трагедии. Танец в старой комедии назывался кордаком и был, в соответствии с духом представления, разнузданным и неприличным. Танцор вертел животом, ударял себя по пяткам и ягодицам, прыгал, бил себя в грудь и по бедрам, топал ногами и даже колотил партнера. Сикиннис — пляска сатиров, насыщенная акробатическими элементами, превзошла кордак в откровенном бесстыдстве. С распространением христианства оба танца исчезли.

Любимым развлечением древних греков были трапезы в дружеском кругу — симпозиумы. В них принимали участие профессиональные танцоры. Росписи греческих ваз изображают куртизанок (гетер), танцующих под звуки флейты, в то время как зрители наблюдают за танцем и даже присоединяются к нему.

Когда в Риме начались беспорядки, и император испугался, что может произойти восстание, он велел выйти на улицы города трем тысячам танцовщиков и танцовщиц, которые своими плясками усмирили буйство толпы. Танцевальное искусство древних греков оказало большое влияние на римлян. Только вот творческие вкусы римлян в корне отличались от вкусов греков. Для греков искусство и танец были чем-то священным, что облагораживало душу и приближало человека к богам. Римляне же, более грубые и приземистые, видели в искусстве лишь развлечение. Танцы постепенно утратили первоначальную строгость и чистоту, в них стали все чаще изображать и выражать страсть, что совсем не соответствовало высокому религиозному предназначению пляски в Древней Греции. Впрочем, древние римляне знали и чтили имя своего первого танцора. Еще бы: ведь им считался Ромул — один из легендарных основателей Рима.

Римляне внесли в историю мирового танца большой вклад как создатели пантомимы. Это — сильно стилизованная последовательность движений, как правило, одного исполнителя, причем основная роль отводилась жестикуляции. Пантомиме обычно аккомпанировал маленький оркестр. Знаменитыми пантомимистами были Бафилл из Александрии, предпочитавший комедию, и Пилад с Сицилии, который придал пантомиме трагический пафос. Пантомима как спектакль была впервые исполнена публично в XXIII в. до н.э. Со временем это искусство выродилось в откровенно эротичное и вульгарное зрелище, с которым боролась христианская церковь.

Хотя в Древнем Риме и преобладала пантомима, ритуальный танец там тоже не был забыт. Существовало много танцев — шествий на разные случаи. Например, члены жреческой коллегии салиев, жрецов бога Марса, исполняли свою культовую воинскую пляску — трипудий, т.е. танец в трехдольном размере. Повсюду на полуострове Италия жрецы проводили ритуалы, связанные с древними культами плодородия. Такого рода храмовые обряды постепенно перерастали в народные праздники. Например, знаменитые сатурналии, проводившиеся в конце декабря, стали народным карнавалом, с танцами на улицах и взаимным одариванием. Впоследствии дух христианских рождественских праздников впитал в себя немало элементов древнеримских сатурналий.

Итак, в первом параграфе нашей работы мы рассмотрели танцы античности. Для греков танец был единством души и тела, танец был подарен им богами. Пляски были обязательным учебным предметом в гимназиях, а свободный гражданин, не умевший танцевать, подвергался насмешкам и осуждению. Позы и движения в танце должны быть красивы и гармоничны, кроме того, пляска должна понятно выражать настроение, мысли и чувства. Римляне же считали танец лишь развлечением, в них стали все чаще изображать и выражать страсть. Но греки в свою очередь внесли в античный танец пантомиму, которая помогла стилизовать последовательность движений. Со временем искусство пантомимы выродилось в откровенно эротичное и вульгарное зрелище, с которым боролась христианская церковь.

1.2 Восточные танцы

В соответствии с индуистской легендой, мир был создан танцующим богом Шивой. Своим божественным танцем Шива уничтожил враждебных ему демонов, и с тех пор боги всегда танцевали. Танец рассматривался как явление божественное, дар богов человечеству. Примерно в V в. н.э. мудрец Бхарата в трактате Натьяшастра сформулировал художественные принципы танца и систему обучения, а также запечатлел строгие правила языка жестов [4, с. 131].

В санскрите «танец» и «драма» обозначаются одним и тем же словом — «натья», что отражает неразрывность этих понятий. Бхарата говорит о «нритье» — выразительном танце-пантомиме, который излагает целую историю, и о «нритте» — чистом танце ради танца, в котором танцующий полностью отдается стихии ритмов. Как и все восточные танцы, индийский традиционный танец связан главным образом с верхней частью туловища. Существуют правила, касающиеся позиций ступней — на полу и в воздухе и разных приемов исполнения движений ногами. Индийский танцовщик обучается также спиралевидным движениям и прыжкам. Язык кистей рук — мудра — прекрасен в своем многогранном символизме. Есть правила (хаста), которые определяют также движения, связанные с туловищем, плечами, предплечьями, шеей. Существует 24 типа движений одной кистью, 13 типов движений двух кистей рук в 10 движений руки целиком, 5 типов движений для грудной клетки и по 5 типов для торса, живота и бедер. Далее, есть типы движений для шеи и для бровей, а также 36 типов взглядов, выражающих разные эмоциональные состояния.

Традиционный танец в Индии культивировался главным образом девадаси — храмовыми танцовщицами, которые, особенно на юге страны, поддерживали жизнь классического танца бхарата натья. Натья — по происхождению своему храмовый танец, часть религиозного обряда, и считается, что системы хаста и мудра были созданы для сопровождения пения священных гимнов Ригведы. В репертуар исполнителей бхарата натья, кроме лирических и пантомимических танцев, входит также научные — песня — танец.

Катхакали — стиль, культивируемый главным образом на западном побережье юга страны, — может быть охарактеризован как мистерия индуистской традиции. Этот танец, сочетающий в себе элементы пантомимы и драмы, берет начало в древнеиндийских эпосах Рамаяна и Махабхарата. Исполняют его обычно мальчики и молодые люди; они играют и женские роли, гримируясь и облачаясь в фантастические одежды.

Сильно стилизованные танцы бхарата натья и катхакали во многом отличаются от двух других классических стилей танца, зародившихся в Северной Индии. Катхак — это танец жрецов — браминов, которые излагали с помощью танца и пантомимы историю своего вероучения. Мусульманские завоеватели, не признававшие никаких изображений божества, запрещали все религиозные танцевальные обряды и стремились сделать из «катхака» простое увеселение. Катхак — очень ритмичный танец со стремительными поворотами. Притопывание ногами в ритм аккомпанирующих барабанов постепенно убыстряется; мимика танцующего — естественная, а не подчиненная канону.

Стиль северо-востока Индии — это манипури, близкий общему духу танцев Восточной Азии. Некоторые виды манипури исполняются очень энергично, вплоть до применения акробатических приемов; для других видов типично скромное достоинство и изящные раскачивающиеся движения, как в народных танцах. Индийский мыслитель и поэт 20 в. Р.Тагор выбрал именно стиль манипури для занятий танцем в созданном им университете в Шантиникетоне (недалеко от Калькутты)[4, с. 131]. Деятельность Тагора сильно повлияла на возрождение традиции классического индийского танца. Знакомя с искусством танца, индийский учитель (гуру) одновременно обучает философии жизни.

Для искусства Шри-Ланки типичны клоунада и изобразительность, сочетание реализма с ритуальными формами. Цейлонские танцы отражают своеобразие этого народа и сильно выделяются на фоне прочих азиатских танцев своей энергией и активностью. Например, в ланкийских танцах много акробатических прыжков и вращательных движений, которые вообще не свойственны восточному танцу. Шри-Ланка — родина танцев огня, танцев демонов и танцев в масках. Исполнитель танца огня демонстрирует свою власть над стихией и свою способность устрашать демонов. Исполнитель танца в маске пытается своим видом соперничать с демонами в безобразии и жестокости и тем самым заставить демонов помиловать их несчастных жертв. Танец демонов, который призван победить 27 враждебных человеку духов, — это виртуозный танец, насыщенный стремительными вращениями и прыжками и кончающийся полным экстазом [14, с. 430]. Существует и другой тип танца — «кандиан», отличающийся красотой, изяществом и сдержанностью движений; этот танец повествует об истории страны и ее легендах.

Известностью пользуется тибетская мистерия Танец Дьявола в обличье Красного тигра. Происхождение ее, возможно, связано с обычаем изгнания злых духов старого года и призывания добрых духов наступающего года. Танец духов, исполняемый на канате, требует исключительного мастерства и едва ли не акробатического искусства. Исполнители демонических танцев, подобно дервишам, кружатся до потери сознания. Как у всех горцев, у тибетцев есть танцы с мечами. Не защищенные ничем, даже одеждой, танцоры двигаются среди обнаженных мечей и копий с большой ловкостью и изяществом.

Наши знания о классическом китайском танце почерпнуты в основном из труда актера XX в. Мэй Лань — фана, где сведены воедино отрывочные сведения из документов предшествующих эпох. Опера и драма в Китае имеют сильно стилизованную, полную условностей форму; пение, игра на инструментах и сценическое движение — неразрывные составляющие мастерства китайского актера. В китайском драматическом театре сохраняются многочисленные приемы классического национального танца, хотя сам танец в чистой форме находится здесь в подчиненном положении. Поскольку в китайском театре почти нет декораций, движение и жест несут большую смысловую нагрузку. Столь же важны аксессуары: каждый из них, будь то кресло, стол, шест, кораблик, зонт или веер, являет собой доступный для зрителей символ. Например, свеча в вытянутой руке обозначает, что действие происходит в темноте, хотя при этом сцена может быть залита ярким светом.

Приемы женского и мужского танцев в корне различны. Для мужского танца характерны расставленные колени и растопыренные пальцы рук. В женском танце существует семь типов, каждый со своей жестикуляцией и своим костюмом. Обращают на себя внимание прямая спина и семенящие, почти незаметные шажки танцовщицы; при всей скромности поведения всегда выразительны движения головы. Манипулирование «подобными струящейся воде» рукавами — они шьются из кусков белого шелка длиной в 90 см — представляет собой один из самых изящных и самых трудных элементов техники танца.

До конца Второй мировой войны известность японских придворных танцев ограничивалась стенами императорского дворца. Танец бугаку, в котором заметны индийское, китайское и корейское влияния, был излюбленной формой придворных увеселений. Величественный и мужественный, этот танец являлся обобщенным изображением итога какой-либо истории. Движения ног в нем представлены обильно, как ни в одном другом японском танце. Этому стилю предшествовали кагура — форма, заимствованная из Китая, и гигаку — танец в масках, ставший частью буддистского ритуала.

Первым национальным японским танцем стал саругаку, берущий начало в древних синтоистских и буддистских празднествах. К XV в. танец бугаку стал неотъемлемой частью японского театра но. Но — вид представления, основанный на целой системе условностей и символов. Это изысканная форма, законченное, совершенное по форме зрелище. В диалогах и пении зрителю объясняется основная коллизия пьесы, танец же используется как высшая форма выражения драмы. Для разрядки в традиционном представлении театра «но» играется также кегэн — одноактная комедия. В ту же эпоху появляется сельский по происхождению, более подвижный танец дэнгаку — танцоры в забавных костюмах с барабанами, висящими на шее, двигаются под звуки флейт, ударных и инструментов типа кастаньет. Дэнгаку — это популярный танец для развлечения, в то время как театр но оставался эзотерической формой искусства для образованного общества.

До XVII в. в Японии не имелось общенародной танцевальной драмы. Этот пробел был заполнен кабуки — простонародным вариантом но. Отходя от строгих правил но, театр кабуки отличается большей свободой и динамичностью — в принципах постановки, в игре актеров и в танцах. В отличие от недосказанности, свойственной но, кабуки полон всяких преувеличений. Вместо строгих деревянных масок «но» здесь употребляется причудливый грим. Однако актер кабуки применяет технику но, что проявляется в изысканности и острой выразительности его поз, особенно когда актер застывает в этих позах в кульминационные моменты драмы. Женские роли в кабуки, как и в «но», исполняются мужчинами. Достигаемое ими стилизованное воплощение женских образов есть результат, как тщательного изучения театральной традиции, так и глубокого проникновения в женскую психологию.

Если в театральных представлениях «но» и кабуки все актеры — мужчины, то женщины — танцовщицы — гейши выступают для развлечения собравшихся на пирах и собраниях. Они обучаются с детства приемам национального танца, обычно связанным с театром кабуки, и обходятся без декораций и особых костюмов.

Таким образом, мы рассмотрели танцы Индии, Китая и Японии. Восточный танец развивается и по сей день. Появляются новые талантливые танцовщицы, которые проводят исследования и серьезно занимаются изучением традиций, открывают свои школы и привносят свое в классический восточный танец. Долгое время восточные танцы оставались закрытым домашним ритуалом, которым восточная женщина добивалась расположения своего мужа; и умение исполнять его передавалось от матери к дочери. В наши дни профессиональные танцовщицы восточного танца так же ценимы и почитаемы, как у нас — звезды балета. Они выступают на сцене, перед публикой, и, естественно, соревнуясь друг с другом за внимание публики, изобретают и добавляют в свой танец все больше новых обольщающих элементов. Их танец связан с традициями гаремных отношений, это танец-соблазн, женский способ борьбы за мужчину.

1.3 Западные танцы

Важные наглядные сведения о развитии танца в Древнем Египте можно почерпнуть из иероглифических записей, деревянных рельефов, изображений, высеченных на камне, скульптуры и разных предметов из древних гробниц. В Абидосе — месте, где, по верованиям египтян, был похоронен бог мертвых Озирис, — в период летнего солнцеворота проводились обряды с танцами и музыкой. Группы певцов и танцовщиков жили при храмах и участвовали в поклонении богам. Одним из главных праздников был обряд, посвященный быку Апису, с тайными танцами, исполняемыми «служителями» быка.

Движение светил имитировалось в круговых танцах, и египетские жрецы — астрономы разработали очень сложный танец звезд, в котором сами жрецы двигались в направлении от востока к западу вокруг алтаря Солнца, жестами изображая знаки Зодиака.

Чувство театральности было очень сильно у людей Древнего Египта. Даже их храмовые танцовщики исполняли акробатические трюки, и на рельефах можно видеть женщину, делающую шпагат, или женщину, которую подбрасывают в воздух и затем подхватывают два партнера, а также мужчину, стоящего на одной ноге и собирающегося сделать пируэт.

Погребальные и церемониальные танцы отличались строгостью и простотой, но со временем стали возникать и другие, более декоративные виды танца. Рабов и рабынь обучали танцам для домашних развлечений. В Египет привозились танцовщики из других стран. Имелись странствующие труппы профессиональных актеров, которые разыгрывали пантомимы, исполняли акробатические номера под аккомпанемент бубнов и кастаньет. Некоторое время пользовались популярностью танцы негров — пигмеев. Около 1500 до н.э. баядеры — прибывшие в Египет храмовые танцовщицы из Южной Индии — значительно изменили строгую угловатость и некоторую жесткость египетского танца и привнесли в него мягкие, плавные линии.

Несомненное влияние на формирование канте фламенко оказало принятие во II — Х вв. испанской католической церковью греко-византийского религиозного песнопения, с его звукорядом и мелодическими оборотами.

С приходом в VIII веке на Пиренейский полуостров арабских племен берберов и последующего расцвета мавританского государства на полуострове формируется классическая «андалусская музыка». Словно губка, впитав некоторые формы и жанры испанской музыки, она создает свои, отдавая взамен ритмы, чарующие мелодии пустыни, темы зноя, любви и страсти…

В XV — XVI вв. на древнюю землю Андалусии пришли цыгане. Выходцы из Индии, они неожиданно нашли в Испании родственную музыкальную культуру и легко, органично сжились с ней. И более того, видимо, соприкосновение «цыганского» и «андалусского» высекло ту искру, что привела к окончательному оформлению жанра фламенко. Кстати, единого мнения о самом термине «канте фламенко» нет. Одна из версий трактует его как «пение андалусских цыган», и сами они до сих пор остаются главными хранителями и лучшими исполнителями этого чуда.

Гитара — неотъемлемая часть современного искусства фламенко еще больше обостряет его импровизационный характер. Даже в наши дни большинство музыкантов (токаоров) не имеют специального музыкального образования и не знают нот, однако, несомненно, обладают природной музыкальностью и великолепной памятью, позволяющими создавать удивительные импровизации.

Кстати, сам импровизационный характер, свободный метр или специфическая техника исполнения нередко вообще препятствуют точной нотной записи мелодий фламенко. Поэтому искусство гитариста (как, впрочем, и певца, и танцора) обычно передается только от мастера к его способному ученику.

И тогда рождается удивительная магия музыки фламенко. А когда появляется третий участник действа — байлаор (танцор), то рождается целый мир, завораживающий любого, кто соприкасается с ним.

В Андалусии твердо убеждены, что нет таких чувств, которые не способен передать канте фламенко. Так оно и есть, особенно когда в неразрывное единство музыки и песни вплетено удивительное искусство байле — танца, берущего начало где — то в глубине многих столетий.

«Руки, вскинутые над головой в характерном изгибе, подтянутая ввысь спина, особенно гордая, но слегка агрессивная постановка тела…Миг неподвижности… И россыпь дроби — каблуки ног легко и ясно отбивают ритм, заставляя следовать за собой гитару. Вслед за грубоватым голосом кантора — резкий поворот корпуса, удивительно сильный всплеск рук, неожиданно сменившийся какой — то восточной, гибкой пластикой их движений. Вот оно начало магии танца фламенко, его душа, та таинственная сила, без наличия которой невозможно донести его мощь и полноту чувств» [31, с. 40]. У Байлаора гораздо большая свобода импровизации, чем у певца и гитариста. Отсюда и отсутствие нужды в широком сценическом пространстве, но зато требование пространства внутреннего — полноты души.

Любопытно, что укоренилось мнение о кастаньетах как непременном атрибуте канте фламенко. Однако чаще всего ритм обивается ногами, щелканьем пальцев или хлопками ладоней. Используются и кастаньеты, но чаще в самых популярных танцах или обработанных для не слишком взыскательной аудитории. Наиболее чистые формы фламенко их избегают, ибо использование кастаньет решительно ограничивает возможности страстной и выразительной игры рук.

Канте фламенко — великолепное представление, окрашенное сильными эмоциями и переживаниями. Оно оказало влияние на многие танцевальные и музыкальные стили всего мира. Последние десятилетия появились смешанные разновидности фламенко и других стилей — фламенко-поп, фламенко-джаз, фламенко-рок, джипси-румба и др. О них спорят, их отвергают или с ними соглашаются. Что делать — таков уж этот стиль, любящий индивидуальность и свободу.

Остается добавить мнение древнего апологета танцев Лукиана. Он утверждает, что танцы и мимика имеют такое же древнее происхождение, как и любовь. Зародившись, как говорит он, от Амура, этого излюбленного божка древних, танцевальное искусство веселит дух и сердце человека, одновременно облагораживая нравы и развивая вкус к изяществу.

Искусство, конечно, может видоизменяться, но танцы, названные Ламартином «Гармонией тела», как красивейший источник радости и веселья, чтобы не говорили порицатели танцевального искусства, будет существовать на нашей планете вплоть до ее исчезновения.

Таким образом, западные танцы появились из разнообразных движений и жестов, связанных с трудовыми процессами и эмоциональными впечатлениями человека от окружавшего мира. С веками, подвергшись художественному обобщению, танец приобрел самостоятельно значение, и у каждого народа сложились свои танцевальные традиции. Исторически танец служил частью религиозных ритуалов и общественных праздников. Многообразие видов включало в себя народные, социальные, религиозные и другие формы танца.

Глава II. История народного танца

2.1 Зарождение, основные понятия, функции

В отличие от прочих видов человеческой деятельности, танец нечасто оставлял четко идентифицируемые материальные свидетельства, способные просуществовать тысячелетия, подобно каменным орудиям, охотничьему снаряжению или пещерной живописи. Невозможно точно определить период, когда танец стал частью культуры человеческого общества, однако несомненно, что еще до появления древнейших цивилизаций он являлся важным элементом церемоний, ритуалов, празднований и увеселительных мероприятий.

Танец — ритмичные, выразительные телодвижения, обычно выстраиваемые в определенную композицию и исполняемые с музыкальным сопровождением. Танец — возможно, древнейшее из искусств: оно отражает восходящую к самым ранним временам потребность человека передавать другим людям свои радость или скорбь посредством своего тела. Почти все важные события в жизни первобытного человека отмечались танцами: рождение, смерть, война, избрание нового вождя, исцеление больного. Танцем выражались моления о дожде, о солнечном свете, о плодородии, о защите и прощении.

Танцевальные па (фр. pas — «шаг») ведут происхождение от основных форм движений человека — ходьбы, бега, прыжков, подпрыгиваний, скачков, скольжений, поворотов и раскачиваний. Сочетания подобных движений постепенно превратились в па традиционных танцев. Главными характеристиками танца являются ритм — относительно быстрое или относительно медленное повторение и варьирование основных движений; рисунок — сочетание движений в композиции; динамика — варьирование размаха и напряженности движений; техника — степень владения телом и мастерство в выполнении основных па и позиций. Во многих танцах большое значение имеет также жестикуляция, особенно движения рук.

Для первобытного человека танец был основной формой существования. Известно, что танцевальная активность была свойственна уже палеоантропу. Наиболее изучен танец верхнего палеолита, когда уже сложился тип современного человека — кроманьонца.

В глубокой древности танец был составной частью обрядов и занимал важнейшее место в жизни человечества. В первобытном обществе существовали самые разнообразные виды плясок — охотничьи, военные, тотемные, обрядовые. Поводы к пляскам и сюжеты этих плясок диктовались самой жизнью. Массовость, всеобщность — необходимое условие пляски. Ведь когда люди танцуют все вместе, в одном ритме, появляется удивительное, почти мистическое чувство единения друг с другом, возникает колоссальный по мощности заряд энергии, способный сделать каждого в несколько раз сильнее.

Среди первобытных танцев преобладали ритуальные, например, военные. Они были как бы игрой в предстоящую войну, своеобразной репетицией ожидаемых событий. С этой точки зрения ритуальные танцы первобытных племен уподобляются забавам маленьких детей, которые через игру пытаются выработать стереотипы поведения в разнообразных ситуациях предстоящей взрослой жизни.

Любой танец у древних знаменовал соединение человека с могущественными космическими энергиями, необходимыми для переживания важных, этапных событий в их жизни: рождение потомства, охота, война, смерть. Танцевали не от избытка сил, а для их приобретения.

Женские обряды принадлежали к числу наиболее распространенных в искусстве верхнего палеолита. С образом женщины в своих исходных формах были связаны образы огня и продолжения рода, растительных сил природы, размножения животных и охотничьей удачи. У некоторых племен Юго-Западной Африки большую процессию с огненными факелами, устраиваемую после неудачной охоты, возглавляла только Великая Женщина. Помимо женских танцевальных обрядов, связанных с культом плодородия, были широко распространены танцы, в которых женщины воплощались в образ того или иного полезного для племени растения. Образ создавался пластикой и рисунком танца. Особое значение женских танцев — связь члена племени со своим тотемом происходила через женщину.

Танец — основная форма совершения обрядов и ритуалов. Нет строгой дифференциации между зрителем, исполнителем и сочинителем танца. Основная форма исполнения — круг, который являлся, с одной стороны, наиболее удобной формой исполнения массового обрядового танца, а с другой стороны, имел символический, магический смысл, связанный с культами Солнца и Луны. В различных племенах исполнение кругового танца относилось к предстоящей охоте, к вызываемому плодородию и всеобщему благополучию. В некоторых случаях круговой танец символизировал брак.

Для человека первобытного общества танец — это способ мышления и жизни. В танцах, изображающих животных, отрабатываются охотничьи приемы; танцем выражаются моления о плодородии, о дожде и о других насущных нуждах племени. Любовь, труд и обряд воплощаются в танцевальных движениях. Танец в этом случае настолько связан с жизнью, что на языке мексиканских индейцев тарахумара понятия «труд» и «танец» выражаются одним и тем же словом. Глубоко воспринимая ритмы природы, люди первобытного общества не могли не подражать им в своих танцах.

Первобытные танцы обычно исполнялись группами. Хороводные танцы имеют конкретное значение, определенные цели: изгнать злых духов, исцелить больного, отогнать беду от племени. Самое распространенное движение здесь — топанье, возможно, потому, что оно заставляет землю трепетать и покоряться человеку. В первобытных обществах распространены танцы на корточках; танцующие любят кружиться, дергаться и скакать. Скачки и кружения доводят танцующих до экстатического состояния, заканчивающегося иногда потерей сознания. Танцующие обычно не носят одежды, зато носят маски, сложные головные уборы и часто раскрашивают свое тело. В качестве аккомпанемента используются топанье, хлопки в ладоши, а также игра на всевозможных барабанах и дудках из природных материалов.

Как видно из всего вышесказанного, искусство танца существует для единения, слияния различных начал. У первобытных племен нет регламентированной техники танца, но великолепная физическая подготовка позволяет танцующим полностью отдаваться танцу и плясать с абсолютной самоотдачей, вплоть до исступления. Танцы такого рода до сих пор можно увидеть на островах южной части Тихого Океана, в Африке и в Центральной и Южной Америке.

В первобытном обществе не бывает артистов в обычном смысле слова, хотя в ряде первобытных племен имеются профессиональные танцовщики, которые не имеют никаких иных обязанностей и являются настоящими мастерами танца.

Огромное значение имело создание специфической атмосферы сочетания музыки с движениями. За счет движений можно было использовать скрытые возможности тела, открыть доступ к мощной энергии творчества, научиться пробуждать и реализовывать ее.

Таким образом, танец оказывал большое влияние и на формирование внутренней культуры. Танец был способом общения; способом самовыражения, позволяющим танцорам и зрителям ощутить чистую радость движения.

Он воплощал весь спектр человеческих чувств; рассказывал истории; усиливал, дисциплинировал, обновлял и питал целостность личности. В некоторых культурах танец исцеляя, спасал душу, давал земное воплощение богам, а также сохранял и изменял культурные традиции; изменял человека, его самоощущение; состояние, облегчал депрессию; приносить ощущение компетентности и силы.

Танец помогал понять другие культуры и, благодаря этому, — лучше понять свою собственную культуру.

2.2 Средние века, эпоха возрождения

В средние века служители церкви запретили танец. И причины надо искать в разнице между языческой и христианской идеологией. В христианской религии тело человека — «дьявольский сосуд», «скопище плотской мерзости», его надо усмирять, чтобы душа после смерти получила доступ в царство вечного добра и справедливости. Поэтому танец, тесно связанный с телесным началом как никакое другое искусство, воспевающий радость бытия, не мог приветствоваться церковью, требующей от благочестивых христиан смирения и покаяния. Самый распространенный крестьянский танец получил название бранль, что в переводе с французского означает «качание», «колебание». Поначалу эти танцы были несложными — простые шаги, покачивания корпусом. Постепенно ритм становился более быстрым и темпераментным, шаги стали чередоваться с подскоками и прыжками. Исполняя его бранль, танцующие пели любимые песни, перебрасывались различными шутками [22, с. 144]. У каждого профессионального цеха (гильдии) были специальные пляски, в которых они прославляли свое мастерство. Так, например, оружейники исполняли танец с мечами.

В Италии, в Венеции, ежегодно устраивался самый знаменитый в мире карнавал, во время которого все жители города выходят на улицы в фантастических масках и костюмах, танцуют и развлекаются. И на вас посмотрят с удивлением, если вы будете хмурым и без праздничного костюма. А ночью в небе над Венецией вспыхивает праздничных фейерверк, от которого у всех его видевших захватывает дух. Горожане любили выступления бродячих артистов — некоторые указы предписывали пропускать их без обязательной для всех уплаты пошлины: Если на мосту появится обезьяна, и ее ведет не простой обыватель для собственного развлечения, но жонглер, дающий с ней представления, то он должен дать его в виде пошлины тут же на мосту [22, с. 144] .

Увеселения феодалов отличались холодной торжественностью, пышностью, здесь отсутствовали живое веселье и праздничная непосредственность. Танцы были по преимуществу медленными, размеренными, состояли главным образом из шагов и поклонов. Да и как можно было танцевать в быстром темпе, если движения сковывала тяжелая, неудобная для танцев одежда. Мужчины танцевали обычно в шляпах, дамы — с платками и веерами. В особо торжественных случаях танцевали с факелами. Этикет придворного общества регламентировал тончайшие детали поведения. Соблюдение правил этикета считалось обязательным во время церемоний, придворных прогулок, обедов, ужинов, танцевальных вечеров.

В это же время в придворном обществе появляется учитель танцев -преподаватель изящных манер. В ту пору умение делать реверансы и поклоны свидетельствовало о принадлежности к аристократии: «даже если вы не умеете хорошо танцевать, вам будет поставлено в заслугу умение хорошо сделать реверанс»[25, с. 383]. Зачастую в танце преобладали поклоны, а не танцевальные движения. Реверанс дамы был плавным и глубоким, он занимал довольно долгое время, так как надлежало еще аккуратно придерживать платье, чтобы, не дай бог, не открыть ноги. Способы соприкосновения партнеров также были строго определены этикетом. Кавалер мог поддерживать даму за локоть, иногда за кончики пальцев или накладывать свою кисть на кисть руки дамы, но никогда — обнять даму за плечи или за талию: это могли счесть оскорблением нравственности. Изысканный рисунок рук венчал основные позы. Женщина должна была танцевать скромно, легко, нежно, опустив вниз глаза. Иногда устраивались тематические балы, или маскарады: за несколько дней до праздника задавалась тема, в соответствии с которой приглашенные готовили себе костюмы и сочиняли танцы. Темы были самыми разнообразными: индийский бал, бал в древнегреческом духе, африканский бал, китайский бал, бал садовников и т.п [25, с. 383] .

Для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха смерти; изображение смерти, как и дьявола, постоянно встречается в средневековой символике. Образ танцующей смерти возник уже в глубокой древности; фигура смерти появляется также в танцах многих первобытных обществ — например, до сегодняшнего дня она играет большую роль в магических обрядах водуистов. Но именно в эпоху Средневековья образ смерти превращается в символ потрясающей силы. «Танец смерти» (danse macabre), особенно широко распространился в Европе в 14 в., в периоды эпидемии чумы. В социальном смысле этот танец, как и сама смерть, уравнивал представителей разных сословий. В годы чумы «танец смерти» часто перерастал в истерическое веселье. Обычно он начинался быстрой пляской; затем один из танцоров внезапно падал на землю, изображая мертвого, а остальные продолжали танцевать вокруг него, представляя в пародийном виде оплакивание покойника. Если мертвеца изображал мужчина, его возвращали к жизни поцелуи девушек; если девушка — ее целовали мужчины. После «воскрешения» следовал общий хороводный пляс.

От Средневековья дошло множество историй о маниакальной одержимости танцем. Во время христианских праздников народ внезапно начинал петь и танцевать у храмов, мешая проходившей в них церковной службе. Эти безумные танцы наблюдались во всех странах. В Германии они получили название «пляска св. Витта», а в Италии — «тарантелла». Танец был не только необходимым средством разрядки, но и главным развлечением. Наибольшей популярностью пользовалась карола, первоначально представлявшая собой танец — шествие. Возникнув в Провансе как песня — танец, исполнявшийся только в мае, карола быстро распространился по Европе благодаря странствующим менестрелям и в конце концов стал обязательным атрибутом всех праздников.

Средневековый танец оставался еще во многом импровизированным действом. Народ любил хороводы, но устойчивых правил танца не существовало. Танец был принятой формой ухаживания; их исполнители сопровождали танец пением; движения были самыми простыми. В 12 в. культ романтической любви и рыцарства в значительной мере преобразил танец, приглушив его откровенно эротические черты. Танец входил в число обычных для рыцаря занятий и выступал как своего рода домашняя параллель к турнирам на открытом воздухе. Обычно танец возглавляла одна пара, к ней присоединялись другие, медленно двигаясь по кругу; тип этого танца во многом напоминал полонез.

В эпоху позднего Средневековья проявляется различие между придворным парным танцем и деревенским групповым танцем. В социальном плане жесткого водораздела тогда еще не существовало. Селяне могли подражать придворному танцу, а рыцари любили иной раз присоединиться к сельскому хороводу. Крестьяне отдавались танцу с ничем не сдерживаемой непосредственностью, рыцари танцевали более строго, следуя придворному этикету. Народный танец по — прежнему был импровизацией, в то время как придворный танец становился все более манерным. Главной формой дворцового искусства был фигурный танец, где группа танцующих последовательно образовывала танцевальные построения.

Эпоха Возрождения. Значительно изменяется отношение к танцу в эпоху Возрождения, когда начинают развиваться торговля и промышленность, растут города, прославляются красота и разум человека, расцветает искусство. Танец вновь стал цениться наравне с живописью и поэзией. «Добродетель танца — действие, вырывающиеся наружу движения души, согласные с гармонией, которая проникает через наши уши к уму и сердцу, возбуждая сладостные чувства, заточенные вопреки природе и через танец пробивающиеся наружу и становящиеся явными» — итальянский танцмейстер, 1463г [20, с. 503].

В эпоху Возрождения светские развлечения постепенно становятся все более изысканными и усложненными. Элементы театра и танца проникали во все сферы жизни феодалов — даже пиры в замках напоминали театральное представление: в перерывах между подачей отдельных блюд перед гостями приглашенные артисты, и музыканты разыгрывали небольшие танцевальные и пантомимические сценки, пели арии и играли на музыкальных инструментах. К XV веку танцы несколько изменились — они усложнились, стали более быстрыми и подвижными, теперь исполнялись прыжки и даже легкие поддержки — когда дама с помощью кавалера поднималась в воздух. Появилось много новых танцев, каждый имел определенные движения (па). Причем знать их — и танцы, и движения — надо было так же хорошо, как и правила этикета.

Развитие театрального танца в эпоху Ренессанса связано главным образом с Северной Италией, хотя несколько позже, когда танец распространился по Европе, источником его изысканной стилизации и барочной красоты стали французские дворы. Правители итальянских городов — государств, такие, как Медичи, Сфорца, Эсте и Гонзага, все больше внимания уделяли пышным зрелищам. Постепенно сложился набор танцевальных приемов с рядом обязательных правил. Оживленный сельский танец не подходил придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы или сады, в которых они танцевали, сам строй их мыслей абсолютно не допускал неорганизованного движения. Чтобы навести порядок и усилить дисциплину, имелись специальные танцмейстеры, для которых танец был воплощением сдержанности и утонченности. В нем теперь не оставалось ничего «народного»; танец становился все более театральным. Профессиональные танцмейстеры заранее репетировали с дворянами отдельные па и фигуры и режиссировали движения групп танцующих, а зрителями были другие придворные.

Развитие музыкального искусства в эпоху Ренессанса было тесно связано с развитием танца, поскольку почти все крупные композиторы в своих сочинениях ориентировались на танец. Традиция контрастного сопоставления медленного танца — шествия и живого прыжкового танца породила такую музыкальную форму, как сюита, которая, в свою очередь, оказала влияние на становление сонатной формы.

Маскарады, момерии и карнавальные шествия, излюбленные развлечения в Средние века, особенно распространились в эпоху Возрождения. В XV и XVI вв. такие представления устраивались в дворянских домах и по мере их усложнения превратились в дорогостоящие празднества. Больше всего в эпоху Ренессанса увлекались маскарадами, т.е. танцами в масках, причем маски имели в эту эпоху особое значение. Люди, желавшие сохранить свое инкогнито, путешествовали в масках; представители враждующих знатных семейств, скрывали свои лица под масками — как это представлено, например, в шекспировской трагедии Ромео и Джульетта, где юный любовник в маске проникает на бал к Капулетти.

Большой вклад в танец как общественное развлечение вносили и карнавалы. Самыми пышными из них были т.н. триумфы (trionfi), представления на мифологические сюжеты с искусно выполненными декорациями. Несколько более скромными были карри (carri, от итал. carro — «повозка») — маскарады ремесленников и купцов в итальянских городах: здесь толпы людей в масках шествовали за декоративными символами своих профессий [20, с. 503]. Триумфы во владениях Медичи являли собой роскошные спектакли вне стен дворца. Медичи приглашали для их оформления лучших художников, в том числе архитектора Филиппо Брунеллески. В ту же эпоху во время придворных пиров и праздничных собраний в Италии и Франции выступали небольшие группы танцоров; во Франции такие выступления называлиcь entremets, в Италии — intrоmessi (буквально «междушествия»). Первоначально их можно было видеть на балах, а позже в театрах, под названием «интермеццо» или «интерлюдия». Именно танцевальная интерлюдия превратилась в XVII в.в. весьма популярную самостоятельную форму балетного антре (т.е. «выхода»).

Самым же распространенным придворным танцем эпохи являлся бас — данс (фр. basse danse, ит. bassa danza — «низкий танец»), его в эпоху Ренессанса называли королем танцев. Это был плавный беспрыжковый танец в спокойном темпе. Одна из его форм — павана — стала излюбленным танцем XV — XVII вв. Павана соответствовала этикетному поведению кавалеров и богатым, тяжелым одеяниям дам; ее сурово — торжественный склад хорошо подходил к церемонии открытия придворного бала. Позднее павана по контрасту чередовалась с более оживленными танцами — обычно гальярдой.

Другим популярным придворным танцем в течение долгого времени был мориско (итал. «мавританский»); в период между 1550 и 1650 мориско был непременным атрибутом любого значительного придворного празднества. Танец, исполнявшийся в одиночку и группами, возник из романтических воспоминаний о временах господства мавров. Исходная форма танца предусматривает два ряда по шести танцоров в каждом, причем некоторые из них должны были зачернять лица. Обычно танцоры надевали маскарадные костюмы, привязывали на ноги колокольчики и помахивали платками. Это был мужской танец, состоявший не столько из движений всем телом, сколько из взмахов руками и ногами. Мориско сохранил свою популярность в простонародье и до сих пор иногда исполняется в Испании и на Британских островах (англ. morris dance).

Таким образом, средневековый танец оставался еще во многом импровизированным действом. Народ любил хороводы, но устойчивых правил танца не существовало. Танец был принятой формой ухаживания; их исполнители сопровождали танец пением; движения были самыми простыми. В XII в. культ романтической любви и рыцарства в значительной мере преобразил танец, приглушив его откровенно эротические черты. Танец входил в число обычных для рыцаря занятий и выступал как своего рода домашняя параллель к турнирам на открытом воздухе. В эпоху позднего Средневековья проявляется различие между придворным парным танцем и деревенским групповым танцем. В социальном плане жесткого водораздела тогда еще не существовало. Народный танец по-прежнему был импровизацией, в то время как придворный танец становился все более манерным. Главной формой дворцового искусства был фигурный танец, где группа танцующих последовательно образовывала танцевальные построения.

Веку вальса с его романтическим настроением соответствовал век классического балета. Главными чертами балетного искусства стали воздушность движений, сказочные сюжеты и сценическое оформление, столкновение обыденного и сверхъестественного, смесь реальности и вымысла. Но гипертрофия технической стороны, одностороннее развитие виртуозности постепенно привела классический балет к вырождению в формальные стереотипы, против которых пришлось бороться следующему поколению театральных деятелей.