Трепак русский танец википедия

Русский народный танец – гость из глубины веков

Тысячелетия прожить — не поле перейти.

Постоянны в мире лишь перемены. И мода на танцы тоже меняется вместе со стилем жизни, новыми поколениями и их пристрастиями. Сейчас трудно себе представить, чтобы русский народный танец стал столь же популярен, как самба, латина, беллиданс и прочие современные стили. Конечно, русский танец не забыт, но явно у народных масс он нынче не в фаворе. И совершенно напрасно! Он ярок, красив, эмоционален и способен дать фору всем западным танц-новациям!

Мода модой, а русский танец родился задолго до хип-хопа, живет при всех новомодных стилях, и будет жить и дальше, базируясь на том, что это — не просто русский фольклор, а часть глубочайшего исторического наследия, в котором переплетены и тайные знания древних славян, и многогранный русский характер, и быт, и чувства, и единство с природой, и память предков, и то, что называется душой народа.

Древние славяне в танцах разыгрывали драму.

Русский народный танец прошел удивительно долгую эволюцию. В исторических документах русский танец «дебютировал» в 907 году. Официальное упоминание касается танца с медведями, который демонстрировался гостям на праздновании Вещим Олегом в Киеве победы над греками.

К сожалению, ни точных дат зарождения танцевального искусства древней Руси, ни полного представления о том, каков был русский танец десятки веков назад, доподлинно неизвестно. Все, что мы знаем о танцах тех времен из былин, устных преданий и песен – это их обрядовое значение и тесная сакральная связь с природой.

Кроме того, что русский танец, как и творчество любой нации, отражает темперамент, уклад, характер и переживания своего народа, он имеет несколько ярких особенностей, которые, несомненно, выделяют его на фоне мировой танцевальной культуры.

И главная черта – это отражение реальной действительности.

Русский танец никогда не воспроизводил выдуманные картины, не отличался наигранностью, преувеличением, тем более не создавал вымышленные, мифические образы и сюжеты, и не заглядывал в будущее. Он имел своей целью отразить текущее настоящее или свершившееся прошлое, повседневную жизнь людей, сотканную из событий, общения с природой, праздников, любви или печали. Эта глубокая драматическая основа позволяла выражать русскому танцу сильные, неподдельные эмоции, брать, что называется, «за живое».

Накладываясь на многогранный русский характер, танец тоже был разным — лиричным и задорным, демонстрировал удаль, широту души, радость победы, горечь поражения, то есть все то, с чем соприкасались наши предки каждый день.

Но в самом-самом начале предназначение танца было несколько иным.

Русский танец изначально был частью обрядов.

Каждую весну на Руси начинался новый цикл земледельческих обрядов. Приурочивались они к наиболее критическим моментам, требующим, по мнению древних славян, поддержки богов — время посева, вызревания хлебов, начала и окончания жатвы.

Русский народный танец был неотъемлемой частью обрядовых действий. Хороводы водись вокруг только что распустившейся березы, олицетворяющей плодоносящую силу; обходили хороводами поля в купальскую ночь и произносили нараспев специальные заговоры, чтобы уберечь урожай от огня и злых духов; хороводы на полях должны были обеспечить хорошую погоду на время уборки хлебов.

И раз уж мы заговорили о хороводе, то это и есть самый древний русский танец — родоначальник всех видов народной хореографии. Можно сказать, что русская пляска появилась, разорвав цепь хоровода.

Хореография его предельно проста. Однако по своему смыслу и назначению этот русский танец имеет, пожалуй, самую мощную сакральную основу. Его рисунок отражает форму и движение солнца, отдавая дань светилу, которому поклонялись в языческие времена. В хороводе происходит стирание личных границ и осуществляется идея объединения людей и их силы, идея радости, разделенной друг с другом.

Потому и сопровождал хоровод практически любой славянский праздник. Этот русский народный танец был непременным атрибутом обрядов в честь новобрачных и «любимцем» народных гуляний. Обрядовый смысл хоровод, со временем, утратил, но рисунок танца остался в неизменном виде. Он все также украшает семейные и детские праздники и на сцене выглядит изумительно красиво.

Игровые хороводы разыгрывают определенный сюжет. Обычно такой русский танец очень женственный. Синхронные движения рук танцовщиц, изгибы тел, создают образ животных, птиц или других персонажей, составляют картины распускающихся цветов или изображают традиционные занятия русских барышень. Например, рисунок хоровода «Веретенце» показывает девушек за рукоделием, «Лебедушка» точно отражает повадки и грацию благородной птицы.

В орнаментальных хороводах, без какого либо определенного сюжета, часто используются венки из полевых цветов или платки, с помощью которых в причудливый рисунок танца («змейка», «восьмерка» и др.) вплетается дополнительная «изюминка». Взмахи и трепетные взгляды, сложение рук, низкие наклоны и повороты вокруг своей оси, длинные сарафаны в пол — это естественная красота и нежность, демонстрирующая скромность и достоинство русской женщины.

Этот русский танец всегда был любим еще и за то, что доступен для всех возрастов. Принять участие в хороводе могут и дети, и старики, и мужчины, и женщины. Потому и дошел этот русский танец до наших дней, что служит символом светлой солнечной энергии, передающейся по цепочке из рук в руки.

Однако русский танец имел не только обрядовое значение.

Тайное боевое искусство русских женщин.

Мало кто знает, что древние славянки вовсе не были беззащитны, когда оставались в селении одни, без мужчин, со стариками и детьми на руках. Были среди них женщины — Берегини, которые владели танцем, а точнее настоящим боевым искусством, которое под маской обольщения скрывало мощное воздействие на биологически активные точки человека.

Если враг заходил в селение, открытое сопротивление могло привести к гибели всего рода. Травы и яды также применить было невозможно, так как ту же еду и воду заставляли давать и детям. И женщины шли на хитрость. Столетиями оттачивался танец, сродни восточным боевым искусствам внутреннего воздействия, основанный на глубоком знании не только физиологии, но и биологически активного контура человека. Остается лишь удивляться глубине познаний наших предков.

Русский танец Берегини.

Чарующий танец представлял собой сложную, продуманную систему, в которой все движения были подчинены четким временным промежуткам, а пластика движений скрывала удары, наносимые как бы в пустоту, но направленные точно на конечности чужака. Сам он, завороженный гибкостью танцовщицы, её нарочито призывными движениями, смотрел на неё со сладострастием и не подозревал насколько сильное оружие против него направлено. А женщина во время танца, выгибаясь всем телом, приникая к земле и затем резко «наплывая» на мужчину, методично нанося невидимые удары, меняла резонансно-волновые характеристики собственного биополя и вела обработку его биологически активных зон. Танец попросту вызывал сбой в работе систем вражеского организма и был грозным оружием замедленного действия.

Подобный русский танец упоминается и в связи с тем, что древние красавицы лечили таким способом своих мужчин, с той разницей, что воздействовали на другие точки. Вызывая сильное сексуальное возбуждение у любимого посредством танца, они многократно усиливали его чувственное восприятие, активировали резонансно-волновые структуры и «запускали» балансировку организма. Раны, полученные в сражениях, затягивались быстрее, а признаки различных болезней исчезали.

Может не зря некоторые врачи рекомендуют секс в качестве лекарства от головной боли?

Но не будем увлекаться, а лучше дадим свой ответ Западу.

Танцуем не сугреву ради, а забавы для!

Лишь отчасти можно считать такие сложные и энергичные элементы русского танца, как «Пистолет», «Щучка», «Бочонок», «Коза», «Арабский», «Бедуинский», «Разножка» и другие средством согрева организма. Динамика русского танца сложилась под влиянием еще двух причин.

Во-первых, на русский народный танец наложила заметный отпечаток языческая культура. Люди в те времена ощущали себя неотъемлемой частью окружающего мира. Потому и русский танец часто строился на имитации поведения животных и птиц, либо отражал явления природы. «Журавель», «Гусачек», «Дергач», «Бычок», «Метелица» — таких названий в русском танце не счесть. Русский народный танец мог имитировать надменную походку тетерева, петушиные бои, прыжки косули, медвежий нахрап и потому его рисунок часто имел движения достаточно резкие.

Впоследствии такая имитация стала основой одного из жанров русского народного танца – игрового. «Рыбку», к примеру, танцевать выходил парень — начинал прыгать, вертеться и топать ногами, потом неожиданно падал оземь и в точности повторял движения рыбы, выброшенной на сушу. Изгибался так, что каблуки у затылка оказывались. Игровой русский танец особенно веселил народ, так как в нем было не только подражание повадкам животных, но и стремление танцующего придать персонажу черты человеческого характера.

Во-вторых, русский танец ассимилировался с воинственными танцами недружелюбных соседей. Во время многочисленных войн, оккупаций и длительного плена происходило смешение культур. Веселые и беззаботные славянские пляски, плавные и неторопливые танцы напитались новыми энергичными элементами. Об этом говорят и названия самих элементов, например те же «Арабский» и «Бедуинский».

Но, как бы не велико было влияние других культур на русский танец, все изменения народ пропустил через призму своей духовности и представил нам, в итоге, самобытное и яркое искусство.

Посмотрим, какое танцевальное наследие оставили наши предки.

Русский танец «Вприсядку».

Сей колоритный русский танец, подарил нам в 1113 году великий князь всея Руси Владимир Мономах, который заприметил в Киеве удалого молодца – каменщика Петро Присядку. После тяжкого трудового дня Петро имел обыкновение принимать «на грудь» и выходил на Крещатик поразмять затекшие мышцы ног, энергично подскакивая. Там и был замечен Мономахом со своей странной пляской и уже вскоре танцевал для князя за каждым завтраком, обедом и ужином. Русский танец «под Присядку» быстро стал модным и был разнесен скоморохами по всей Руси.

Народный игровой танец и пляска – язык общения.

Интересно, что русский танец, в большинстве своем, имеет простые и емкие названия, ясно отражающие либо рисунок танца, либо количество танцоров, либо музыку, под которую он исполняется, либо определенный сюжет. Среди плясок – импровизаций широко известны: «Барыня», «Балалайки», «Танец с ложками», «Веселуха», «Топотуха», «Вензеля», «Валенки», «Тимоня», «Полянка», «Сибирская потеха», русский танец «Матрешки», «Плескач», «Круговая-плясовая», «Камаринская», «Полька», «Чеботуха», «Сени», «Воротца», «Парная», «Четверка» и другие.

Во всех славянских танцах живет характерная черта – жизнерадостность и ярко выраженное чувство собственного достоинства. Объединяет русские народные танцы демонстрация удали, широта движений, перекликающаяся с лиричностью и скромностью, а также наполненность смыслом.

Русский танец не танцуют, а словно рассказывают что-то…Рассказывают красиво, эмоционально. Взглядом, выразительной мимикой, жестами, танцующий передает какую-либо историю, не хуже настоящего театрального актера. Та же «Камаринская» красноречиво воспроизводит заносчивый, хвастливый выход пьяного камаринского мужика, шуточно обыгрывает «непослушание» разгулявшихся ног, искреннее удивление и веселый дебош.

Русский танец требует величавых, по-лебединому плавных движений от женщин и энергичности от мужчин. Но также часто он бывает задорным и озорным. Например, русский народный танец «Трепак» — живой, динамичный, где партнер и партнерша в быстром темпе исполняют дробные шаги и притопывания, прыжки и кружения, могут свободно импровизировать и заводят окружающих с первой минуты исполнения. И костюмы для него выбираются совсем иные: короткие пестрые сарафаны, юбки разлетающиеся солнцем и яркие вышитые косоворотки. Трепак может исполняться как одиночный мужской танец или парный перепляс.

Еще один замечательный русский танец – «Тройка», где мужчина танцует с двумя партнершами. Народное творчество не могло обойти вниманием неизменный символ любого праздника — русскую тройку. Её и имитирует пляска, представляя скачущих лошадей, запряженных в повозку. И снова подражание животным – соблюдение старых традиций.

На праздниках, ярмарках, свадьбах русский танец часто приобретал соревновательный характер – перепляс. И сейчас перепляс весьма популярен в народном танце. В своеобразной танцевальной дуэли участвуют два танцора. Элементов в переплясе может быть использовано множество, а их комбинация и последовательность – чистая импровизация танцующего. Участники перепляса соревнуются в силе, ловкости, выносливости и изобретательности. Задача — перетанцевать соперника.

Такое разнообразие танцев позволяет выражать любые чувства и эмоции, «приспособить» русский танец к любому важному событию, сделать средством высвобождения лишней энергии и получить эстетическое удовольствие. В современной интерпретации русский танец все так же богат и самобытен, и заслуживает самого пристального внимания.

Выразительный русский танец способен привить хороший вкус, умение красиво двигаться, изящно держать свое тело и главное, начисто лишен пошлости.

Для русских народных танцев характерны яркие костюмы. В основном, это — красный, белый, голубой, зеленый цвета, которые символизируют любовь, чистоту души, солнце, небо, свежую весеннюю траву.

И все это в совокупности с великолепной хореографией дает потрясающую картину народного русского танца, равного которому нет в мировой танцевальной истории.

Скачать бесплатно ноты и партитуры по запросу:
Чайковский Русский Танец

Перевод: Полная партитура.

Перевод: Музыка из балета. Сюита. Аранж. Н. Бутенко —. Украшение и зажигание елки. Инстр.

Перевод: Музыка из балета. Сюита. Аранж. Н. Бутенко —. Украшение и зажигание елки. Инстр.

Перевод: Тони D’Addono. Русский танец. Петр Ильич Чайковский. «Трепак». Нот. Вкладка гитара.

Перевод: Петр Ильич Чайковский. Русский танец. Петр Ильич Чайковский. «Трепак». Нот. Вкладка гитара.

Перевод: Русский танец. Петр Ильич Чайковский. Русский танец. составлены Петр Ильич Чайковский. Хор ноты.

Перевод: Русский танец. Петр Ильич Чайковский. Русский танец. составлены Петр Ильич Чайковский. Хор ноты.

Перевод: Русский танец. Петра Ильича Чайковского для хора и фортепиано. от Щелкунчик. SSAA, а капелла.

Перевод: Русский танец. Петра Ильича Чайковского для хора и фортепиано. от Щелкунчик. SATB, а капелла.

Перевод: Сюита из » Щелкунчик ». Русский танец Трепак. Ноты Петра Чайковского. Петр Чайковский. Тема. Solero.

Перевод: Русский танец. Петра Ильича Чайковского для гитары соло. «Трепак».

Перевод: Петр Ильич Чайковский. Русский танец. Петр Ильич Чайковский. «Трепак». Нот. План. Большие Примечания.

Перевод: Петр Ильич Чайковский. Русский танец. Петр Ильич Чайковский. «Трепак». Нот. План.

Перевод: Петр Ильич Чайковский. Русский танец. Петр Ильич Чайковский. «Трепак». Нот. План. Джеффри Бигель. —.

Перевод: Петр Ильич Чайковский. Русский танец. Петр Ильич Чайковский. «Трепак». Нот. Легкий фортепиано. ИПФ.

Перевод: Петр Ильич Чайковский. Русский танец. Петр Ильич Чайковский. из «Щелкунчика». Нот. Легкий фортепиано. ИПФ.

Перевод: Русский танец. Петр Ильич Чайковский. Русский танец. составлены Петр Ильич Чайковский. Трепак.

Русский танец

Арих Н.А., музыкальный руководитель ГБОУ детский сад № 2079, г. Москва, лауреат Московского городского фестиваля «В мире классической музыки» в номинации «Танцевальное творчество»

Музыкальное сопровождение: П. И. Чайковский . «Трепак» из балета «Щелкунчик».

Семеро детей стоят у центральной стены лицом к зрителям.

Вступление

1 фраза: дети ставят руки на пояс.

2 фраза: выбегают и встают врассыпную по сцене.

1 такт — притоп правой ногой с одновременным взмахом рук в стороны (2 позиция).

2 такт — притоп правой ногой, руки на пояс.

3–4 такты — кружение вокруг себя с высоким отбрасыванием ног назад, руки на поясе.

5 такт — притоп правой ногой, с одновременным взмахом рук в стороны (2 позиция).

6 такт — притоп правой ногой, руки на пояс.

7–8 такты — кружение вокруг себя с высоким отбрасыванием ног назад, руки на поясе.

9–12 такты — дети выполняют боковой галоп по кругу по линии танца, руки на поясе.

13–16 такты — дети выполняют боковой галоп по кругу против линии танца, руки на поясе.

17–20 такты — дети становятся врассыпную лицом к зрителям и выполняют танцевальное движение «Козлик»: притопы правой ногой с одновременным подпрыгиванием и взмахами рук. Дети становятся парами лицом друг к другу, один ребёнок остаётся стоять лицом к зрителям.

21–28 такты — солист выполняет движения, соответствующие движениям 1–8 тактов.

21 такт — дети в парах, стоя лицом друг к дугу, выполняют встречный хлопок правыми руками, левая рука в это время на поясе.

22 такт — дети в парах выполняют встречный хлопок левыми руками, правая рука на поясе.

23–24 такты — соединив правые руки, дети парами кружатся с высоким отбрасыванием ног назад («Карусель»), левые руки на поясе, и возвращаются на прежние — до кружения — места.

25 такт — дети в парах не ставят руки на пояс, а лишь выполняют встречный хлопок правыми руками, левая рука в это время у каждого на поясе.

26 такт — дети в парах выполняют встречный хлопок левыми руками, правая рука на поясе.

27–30 такты — соединив правые руки, дети парами кружатся с высоким отбрасыванием ног назад («Карусель»), левые руки на поясе, и возвращаются на прежние — до кружения — места.

31–34 такты — концовка: дети, стоя врассыпную, лицом к зрителям, выполняют любое понравившееся движение: «Козлик», «Распашонка», «Самовар», «Присядка» и т. д.

Либретто к балету создано Мариусом Петипа по мотивам сказки Э. Т. А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король» (1816 год; в основу либретто легло переложение сказки, сделанное в 1844 году Александром Дюма-отцом [2] , однако Театральная энциклопедия ошибочно называет автором переложения Дюма-сына) [3] .

Премьера балета состоялась 6 (18) декабря 1892 года в Мариинском театре в Санкт-Петербурге в один вечер с оперой «Иоланта». Роли Клары и Фрица исполняли дети, учащиеся Петербургского Императорского театрального училища, которое оба закончили лишь через несколько лет в 1899 году [4] (это видно и по приведённой в данной статье фотографии — см. выше) Клара — Станислава Белинская, Фриц — Василий Стуколкин. Другие исполнители: Щелкунчик — Сергей Легат, фея Драже — Антониетта Дель-Эра, принц Коклюш — Павел Гердт, Дроссельмейер — Тимофей Стуколкин, племянница Марианна — Лидия Рубцова; балетмейстер Иванов, дирижёр Дриго, художники Бочаров и К. Иванов, костюмы — Всеволожский и Пономарев.

Щелкунчик занимает особое место среди поздних произведении П. И. Чайковского; стоит обособленно от традиции балетного жанра, новаторски применены музыкальные образы. Он является для композитора точкой отсчета в поисках смысла жизни, именно в нем слышны раздумия на тему вечного.

В разных редакциях есть разночтения в имени главной героини: Клара и Мари. В оригинальном произведении Гофмана имя девочки Мари, а Клара — это её любимая кукла.

В России с началом Первой мировой войны (1914 год) и ростом патриотических настроений сюжет балета русифицировался, и главная героиня стала зваться Машей. При этом Фриц остался непереименованным, поскольку он — отрицательный персонаж. Примечательно, что эта традиция действует до сих пор.

Содержание

Действующие лица

  • Штальбаум.
  • Его жена.

их дети:

  • Клара (Мари, Маша), принцесса
  • Фриц (Миша)
  • Марианна, племянница
  • Няня.
  • Дроссельмейер.
  • Щелкунчик, принц
  • Фея Драже
  • Принц Коклюш
  • Кукла.
  • Паяц (шут).
  • Король мышей.
  • Кордебалет: гости, родственники, слуги, маски, пажи, цветы, игрушки, солдатики и т. д.

Балет в двух действиях с прологом

В канун Рождества, в красивом доме доктора Штальбаума начинают собираться гости. За взрослыми на цыпочках следуют девочки с куклами и маршируют мальчики с саблями.

Действие I

Дети доктора Штальбаума Мари и Фриц, как и другие дети, с нетерпением ждут подарков. Последний из гостей — Дроссельмейер. Он входит в цилиндре, с тростью и в маске. Его способность оживлять игрушки не только забавляет детей, но и пугает их. Дроссельмейер снимает маску. Мари и Фриц узнают своего любимого крестного.

Мари хочет поиграть с куклами, но с огорчением узнает, что они все убраны. Чтобы успокоить девочку, крестный дарит ей Щелкунчика. Странное выражение лица куклы забавляет её. Шалун и озорник Фриц нечаянно ломает куклу. Мари расстроена. Она укладывает полюбившуюся ей куклу спать. Фриц вместе с друзьями надевают маски мышей и начинают дразнить Мари.

Праздник заканчивается, и гости танцуют традиционный танец «Гросс-Фатер», после чего все расходятся по домам. Наступает ночь. Комната, в которой находится ёлка, наполняется лунным светом. Мари возвращается, она обнимает Щелкунчика. И тут появляется Дроссельмейер. Он уже не крестный, а добрый волшебник. Он взмахивает рукой и в комнате начинает все меняться: стены раздвигаются, ёлка начинает расти, ёлочные игрушки оживают и становятся солдатиками. Внезапно появляются мыши под предводительством Мышиного короля. Отважный Щелкунчик ведёт солдатиков в бой.

Щелкунчик и Мышиный король встречаются в смертельной схватке. Мари видит, что армия мышей превосходит армию солдатиков.

В отчаянии она снимает с себя туфельку и со всей силой бросает её в Мышиного короля. Он напуган и убегает вместе со своей армией. Армия солдатиков победила. Они триумфально несут Мари на плечах к Щелкунчику. Внезапно лицо Щелкунчика начинает меняться. Он перестаёт быть уродливой куклой и превращается в прекрасного Принца. Мари и оставшиеся в живых куклы оказываются под звёздным небом и фантастически красивой ёлкой, вокруг кружатся снежинки.

Действие II

Мари и Принц любуются красотой звёздного неба. Внезапно их атакуют мыши. И вновь Принц наносит им поражение. Все танцуют и веселятся, празднуют победу над мышиным войском.

Испанская, Индийская и Китайская куклы благодарят Мари за то, что она спасла им жизнь. Вокруг танцуют прекрасные феи и пажи.

Появляется Дроссельмейер, он опять меняет все вокруг. Все готовятся к королевской свадьбе Мари и Принца. Мари просыпается. Щелкунчик всё ещё у неё в руках. Она сидит в Знакомой комнате. Увы, это был всего лишь сказочный сон…

Существует также так называемый Фрейдитский вариант балета, разработанный Р. Нуреевым. Согласно ему, после танца с принцем Мари просыпается и щелкунчиком оказывается помолодевший Дроссельмейер.

  1. Увертюра
  2. Действие первое.
    1. Картина 1.
      1. Украшение Рождественской Елки
      2. Марш
      3. Детский галоп и выход гостей
      4. Сцена с танцами (выход Дроссельмаера)
        1. Танец заводных кукол (мазурка)
        2. Демонический танец
      5. Сцена и танец родителей (Гроссфатер)
      6. Сцена (Уход гостей. Ночь)
        1. Первый вальс Маши с Щелкунчиком
        2. Полька
        3. Колыбельная
      7. Сцена (Сражение)
    2. Картина 2.
      1. Сцена (Еловый лес зимой) (рост ёлки)
      2. Вальс снежных хлопьев (танец снежинок)
  3. Действие второе.
    1. Сцена (Дворец сластей Конфитюренбург)
    2. Сцена (Прибытие Клары и Щелкунчика)
    3. Дивертисмент
      1. Шоколад (Испанский танец)
      2. Кофе (Арабский танец)
      3. Чай (Китайский танец)
      4. Трепак (Русский танец) (карамельная трость)
      5. Танец пастушков (Датский марципан)
      6. Мамаша Гигонь (Жигонь) и паяцы
    4. Вальс цветов
    5. Па-де-де (Фея Драже и принц Оршад)
      1. Вариация I (Тарантелла)
      2. Вариация II (Танец Феи Драже)
      3. Кода
      4. Финальный вальс
      5. Апофеоз

Мистика произведения

Детская сказка, волшебство Нового года, так мы привыкли видеть и воспринимать «Щелкунчика» как балет-праздник. Но за яркостью музыкальных форм, пышностью сценического оформления и красотой исполнительского искусства таится глубокий философский замысел. Несколько основных тем творчества Гофмана составляют основу идейного содержания и балета по его произведению. Это иллюзорность грани между явью и сном, живыми существами и неживыми предметами и игрушками, оппозиция мира взрослых и мира детей, борьба благородства и мелочного зла, сокрытая за маской чудачества мудрость (в образе Дроссельмейера), всепобеждающая любовь и главнейшая тема — поиски человеком своей истинной природы.

Балет многослоен: сюжетный, музыкальный, философский, архетипический, религиозно-мифический и поэтические аспекты дополняют друг друга. Нельзя забывать, что это произведение является детищем нескольких самостоятельных творцов, живших в разные историко-культурные эпохи. Так или иначе в балете оказались отражены они все. Здесь есть и изначальный романтический «заряд» Гофмана, и лирика Чайковского, и старинные пасторальные пастушки, и модная в 19 веке «восточность» в виде арабского и китайского танцев, и гениальный русский танец, привнесённый Петром Ильичом в сказку немецкого писателя. Как в самом танце, так и в музыке чувствуется наслоение традиций разных школ.

Действие происходит зимой, и волшебство этого времени года создаёт особую атмосферу сказки. В мифах зима считается аналогом смерти, застывшей жизни, но так же и подготовкой к чему-то новому. Зима — это остановка, состояние замирания, отсутствия времени, позволяющее набраться сил, чтобы исправить все ошибки прошлого, задуматься над главными вопросами и познать самого себя. Пробуждение рождает в нас эйфорию воздушности, лёгкости жизни, аромат душистого хмеля придаёт бодрость, прежние дороги заметаются и забываются. Все прежние связи рвутся, чтобы могли образоваться новые. Конфитюренбург символизирует собой мир прекрасного в понимании детей, аналогом которого является мир Золотого горшка в одноимённом сочинении Гофмана. Герои познают своё истинное «я» — это личность принца и принцессы, а также истинное существование. Это отражается и в сцене роста Ёлки, которая стремиться подняться все выше, выразить себя как можно полнее в этом мире. Будь то мифический Элизий или Христианский Эдем, финал пройден, нет окна, в которое можно увидеть себя в прошлом, конец поискам, нет уроков познания, только праведная жизнь, только воздаяния праведным.